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     Como artista profesional, además de tu obra y de tu portafolio, debes tener una declaración artística disponible en cualquier momento. Estos son algunos consejos valiosos para escribir tu declaración artística:

• Conoce a tu audiencia. Como artista no estás escribiendo solo para una galería de arte, sino también para visitantes, estudiantes y posibles compradores. Todos estos distintos grupos de personas deben entender lo que estás diciendo sobre ti y tu arte.

• Contenido de tu declaración artística. La longitud óptima de una declaración artística para publicación está entre 150-200 palabras (dos párrafos).

     Hay tres elementos que deben tomarse en cuenta: el cómo, el qué y el por qué. Debe haber suficiente información para que alguien pueda comenzar a imaginar qué tipo de arte realizas sin tener la obra ante sus ojos.

El “Cómo”: Se refiere a cómo creaste tu obra. Describe tu proceso artístico: ¿Qué paleta de colores sueles usar? ¿Haces formato grande o pequeño? ¿Qué tipo de herramientas son fundamentales para tu proceso?

El “Qué”: Describe el contenido de tu obra de manera general que fluya desde cómo trabajas hasta qué haces.

El “Por Qué”: ¿Por qué creas lo que creas? ¿Qué dice tu vida sobre tu obra, y qué dice tu obra sobre tu vida? ¿Qué símbolos utilizas y por qué? Explica las influencias de tu obra.

• Las tres C del estilo
  • Sé claro: Usa un vocabulario accesible; no compliques las cosas pues esto evitará que las personas sin conocimiento sobre arte o historia del arte se sientan bienvenidas a apreciar tu obra.
  • Sé conciso: No escribas páginas y páginas sobre tu obra. De acuerdo a las estadísticas, el visitante promedio de las galerías y museos pasa entre 5 y 15 segundos mirando cada obra. Quieres que tu declaración sea suficientemente breve para que se obtenga la información esencial en ese tiempo.
  • Sé consistente: Asegúrate de que lo que dices en tu declaración artística guarda relación con la obra que estará en exhibición. Sigue actualizando tu declaración mientras creces y evolucionas como artista.

Una declaración artística DEBE escribirse siempre en primera persona.

La práctica hace al maestro. Escribe tu declaración de maneras distintas y analiza cuál te describe mejor a ti y a tu obra. Lee tu declaración en voz alta para asegurarte de que fluye correctamente. Léesela a personas que estén familiarizadas contigo y con tu obra y escucha sus comentarios. A medida que creces y evolucionas como artista, estos pasos te seguirán siendo útiles al editar tu declaración para que refleje siempre tu obra actual. 

        El arte nos puede conmover, enfurecer, podemos apreciarlo como también disgustarnos. El ver una pintura siempre nos provoca sensaciones; es más que sólo admirar un lienzo lleno de colores. Cada obra tiene un enfoque o una inspiración y es por eso que muchas guardan historias ocultas y secretos.

La Creación de Adán, de Miguel Ángel.

        Este fresco pintado en 1511 por el genio Miguel Ángel, en la Capilla Sixtina del actual Vaticano, es una de las obras más valiosas de todos los tiempos. Existe una teoría del médico Frank Meshberger que publicó en 1990, donde señala que la “cúpula” que recubre a Dios y sus ángeles en realidad es una forma de representar el cerebro humano, lo que explicaría que Miguel Ángel quiso mostrar a Dios como un dador de vida y también de inteligencia.

La Persistencia de la Memoria, de Salvador Dalí.

        Creada en 1931 por el pintor surrealista Salvador Dalí. El mayor simbolismo se encuentra en los acantilados de la derecha superior de la obra, donde la luz sobre las rocas es lo que perdura en el tiempo, y en los tres relojes blandos que hablan de lo frágil que es la memoria, que con el tiempo se va reblandeciendo. Dalí aseguró que los relojes son producto de las alucinaciones que tuvo después de comerse un queso camembert, que le generó preguntas con su textura y forma.

La Maja Desnuda, de Francisco de Goya.

        Una de las obras maestras de Goya, pintada entre 1790 y 1800. Se dice que la mujer que posa era la decimotercera Duquesa de Alba, amante de Manuel Godoy. Muchas teorías dicen que Goya estaba loco por ella, ya los que la conocieron decían que era poseedora de una hipnotizante belleza e inteligencia, además de ser una mujer con mucho poder. Esta obra, generó dudas en los tiempos de su creación y la Inquisición la apartó llevando a Goya a un juicio.

Guernica, de Pablo Picasso.

        Realizado en 1937, es un grito contra la guerra, el horror y la barbaridad. Picasso hizo más de 60 borradores antes de pintar el original. Fue un encargo del Gobierno de la República Española para el Pabellón Español de la Exposición Universal de París (1937) que se llama Guernica debido al terrible bombardeo que hubo en ese lugar durante la Guerra Civil Española, de la mano de la Legión Cóndor de la Alemania Nazi y la aviación italiana fascista, bajo la autorización del bando franquista.

"Pintar como los pintores del renacimiento me llevó unos años, pintar como los niños me llevó toda la vida." Pablo Picasso.

        De los 0 a los 7 años, los niños están en una etapa muy concreta e importante y necesitan vivir todo a través de sus sentidos. El arte es una manera de vivir y de aprender a ser íntegro; cuando los niños tienen contacto con esta manera de vivir desde temprana edad los beneficios para ellos son abundantes, sólidos e inmensos. Esto no implica que estos niños vayan a ser forzosamente artistas de grandes (cantantes, bailarines, pintores, escultores, etc.), sino simplemente que durante su crecimiento y formación vivirán diversas experiencias que les permitirán ser más sensibles y perceptivos con el mundo que les rodea.

        La función del arte es hacernos conscientes de las emociones, sensaciones y conflictos que todos llevamos dentro; es un sistema completo que se tiene que ir puliendo poco a poco desde la infancia. Un ser humano bueno es un ser humano sensible. Y el arte sensibiliza a los seres humanos.

En la etapa de la infancia es imprescindible:

• Estimular la observación
• Alentar la capacidad de explorar y desarrollar un sentido creativo
• Fomentar las visitas a entornos artísticos para empaparlos del ambiente
• Darles confianza para crear (incentivarlos y celebrar sus obras)
• Aplaudir su imaginación frente al arte

Los objetivos que buscamos son:

• Que los niños se expresen a su gusto en un espacio vacío (y no con limitantes como el contorno de un dibujo o una plantilla)
• Que imaginen y representen el color que ellos crean que en realidad es, y no el simbólico

Los beneficios que se obtienen son:

• Aumenta las capacidades intelectuales (potencializando el pensamiento creativo, reflexivo y crítico)
• Incrementa la comunicación entre padres e hijos (mayor círculo afectivo)
• El niño se conoce cada vez mejor exterior e interiormente
• Aprendizaje de la libertad a experimentar
• Se fortalece el trabajo manual
• Optimiza la coordinación visomotora y visomanual

        Cabe mencionar que el talento no se registra a una edad determinada, sino que hay momentos de la vida en que los niños demuestran que hay una pasión hacia algún lenguaje. En el momento en que espontáneamente lo demuestren, se debe responder positivamente a ese interés, pero nunca en detrimento de los otros.

        Es importante destacar que no se debe obligar a los niños a realizar ninguna actividad que no les guste, por más bella que resulte para nosotros. Lo mejor que podemos hacer es acompañarlos en su búsqueda, dejándolos a ellos elegir entre todas las posibilidades del arte.

        Por último, todo niño merece tener una educación que valorice todos los campos del saber, sin desmerecer ningún aspecto, ya que no sabemos cuáles son las habilidades innatas que nuestro hijo posee ni tampoco cuáles serán sus aspiraciones futuras en cuanto a su vocación laboral.

        Como conclusión, la importancia de inculcarles el arte a los niños es suma, pues serán personas más sensibles y sabrán apreciar la belleza de la vida en todas sus manifestaciones.